Просмотр сообщений

В этом разделе можно просмотреть все сообщения, сделанные этим пользователем.


Темы - desp

Страницы: [1]
1
Звукозапись и воспроизведение / Закрыто
« : 07 Октября 2020, 12:29:26 »
Закрыто

2
Неактуально

3
Продано.

4
   Данный обзор я сделал в двух вариантах: в виде текста и в виде подкаста (они не совпадают на 100 %, выбирай вариант, который нравится).
https://www.youtube.com/watch?v=qtYBDa1Z24g

       Дэвид Ковердейл приехал к нам в Россию в рамках мирового концертного тура в поддержку нового альбома группы Whitesnake "Flesh & Blood".

       Звук на альбоме является типичным представителем семейства звучаний современных рок-альбомов: грохот, шум, но детально ничего не слышно, особенно при прослушивании через колонки. Сведение на альбоме – из стиля «скомпрессировать каждую дорожку и нормализовать до нуля децибел» - тогда сводить ничего будет не нужно, все и так примерно на одной громкости. Все это сдобрено мастеринговой компрессией, благодаря чему мы можем наслаждаться «игрой пианиста, который никогда не снимает ногу с педали сустейна». А автотьюн? Да, но не очень много.

       Альбом довольно длинный – с бонус-треками его продолжительность составляет почти полтора часа. И слушать его довольно скучно, потому что… Вы представляете себе Whitesnake? Вот, полтора часа зверски закомпрессированной белой змеи. Ни о какой оригинальности материала здесь говорить, конечно, не приходится, потому что музыка эта стилистически очень ограничена: шаг влево – шаг вправо – конец карьеры. Даже название Flesh and blood (Плоть и кровь) где только не использовалось (например, у их стилистических братьев - Poison). Поэтому никуда старые, прожженные рокеры от этих песен про похождения брутального самца не денутся: они будут свой стиль тщательно лелеять, подбирать слова и звучание инструментов, чтобы сделать его еще более похожим на Whitesnake 1987 и Slip of the Tongue 1989.

      По мнению людей, уже успевших полностью послушать эту пластинку, альбом раскрывается ближе ко второй половине, заглавные песни (в том числе хит-сингл Shut up and kiss me (Замолчи и поцелуй меня)) неинтересны. Я с этим мнением согласен. Больше всего мне понравились песни Always and forever (Всегда и навсегда) и When I think of you (Когда я думаю о тебе). И тут интересным моментом является то, что Ковердейл копирует не только свой собственный стиль, но и занимается просто очевидными самоповторами, потому что первая перечисленная песня – это вариации на тему Guilty of love, а вторая – на тему Here I go again.

      С другой стороны, чего вы хотите? Ребята ждали Ковердейла, они его получили: тот самый, еще больше его самого. Если не быть слишком требовательным к звуку, то с задачей воссоздать самого себя Whitesnake справился на пятерку.

5
   Если Ваш камрад неожиданно начнет говорить Вам, что необходимо выкидывать CD-диски и срочно закупаться винилом (ведь у последнего есть столько преимуществ), то не спешите терять друга и грубо наклеивать на него ярлык аудиофила (в отрицательном значении этого слова) и олдфага. Достаточно использовать несколько технически грамотных аргументов, чтобы разубедить вашего корефана в непобедимости пластинки и найти с ним разумный компромисс. Итак:

   1. Первый очевидный недостаток виниловой пластинки – это обратная сторона ее физический сущности: Вы можете потерять пластинку, ее могут у Вас украсть, ее можно разломить, неаккуратно задвинув ящик со своей фонотекой (как я угробил вторую пластинку из комплекта оперетты «Белая акация») и так далее. Но и это еще полбеды, поскольку пластинка, в отличии от CD, это аналоговый носитель и данные на ней никаким образом не кодируются и не дублируются и не могут быть восстановлены с помощью алгоритмов устранения ошибок. Это значит, что со временем, даже при бережной эксплуатации, звук с Вашего винила будет все хуже и хуже, ведь дорожки на ней будут забиваться пылью (у Вас ведь нет дорогой машины для мойки пластинок?) и постепенно разрушаться от многократного механического контакта с иглой проигрывателя. Перезаписать пластинку на другой аналоговый носитель без потерь также не получится (как минимум, в соотношении сигнал/шум мы точно проиграем).

   2. Некоторые люди считают, что качество аналогового носителя «бесконечно», так как сигнал остается непрерывным. Но ведь скорость пластинки или пленки при записи на качество влияет, определенно? И ведь на выходе ЦАПа сигнал тоже непрерывный! Тогда что же нужно сравнивать? На мой взгляд – погрешность, вносимую в сигнал тем или иным компонентом. У аналого-цифрового преобразования, действительно, есть погрешность. Но она имеет определенное, конечное значение. А вот как себя ведет механическая система резак-пластинка при записи? Ну ведь наверняка есть какие-то механические параметры, так скажем, минимальный шаг какой-то, диапазон колебаний. Из сухих цифр: факт в том, что у компакт-диска как носителя динамический диапазон сигнала шире (90 децибел, что эквивалентно 15 битам), чем у пластинки (55-70 дб, что эквивалентно 12 битам для 70 дб). Цифровые носители с бОльшим количеством бит (например, 24 бита) обладают, соответственно, бОльшим динамическим диапазоном и большей технической возможностью отражения динамики композиции.

   3. Многие считают, что пластинка на 100% передает то, что происходило в студии при записи звука. Но немногие знают, что, к сожалению, далеко не всегда это так. Часто встречающийся пре-мастеринг пластинки включает срез ниже 40 Гц, срез выше 16 кГц, перевод в моно гармоник ниже 250 Гц. Эти ограничения вносятся для лучшего звучания мастера на носителе, учитывая физические ограничения последнего. О каких тогда волшебных полезных гармониках на частотах в десятки килогерц, упоминаемых аудиофилами, можно будет говорить, если эти частоты изначального звука на пластинку не записывались? Дополнительная компрессия при мастеринге пластинки - тоже не редкость, из-за чего некоторые альбомы на пластинках звучат более плоско по сравнению с теми же самыми альбомами на CD.
   Ошибочно также считать, что если конечный носитель – аналоговый, то и все предыдущие стадии производства фонограммы были выполнены без применения цифровых технологий. Поэтому зачастую можно встретить на западных форумах обсуждение: - Альбом артиста А 1987 года звучит отвратительно на компашке, хотелось бы услышать его на виниле… - На виниле он звучит чуток лучше… Из современных изданий единственный встреченный мною в магазине альбом полностью аналогового производства – это альбом группы Geordie ‘Don’t be fooled by the name’, смастеренный в аналоговом виде с оригинальных мастер-лент. В 80-х ситуация была, конечно, более аналоговой, но уже с границы 70-х – 80-х SONY и Mitsubishi вовсю выпускали свои ужасные процессоры для мастеринга, которые путем простого перегона через них аналоговой мастер-ленты позволяли получить звук уровня mp3 128 kbps («…зато нет шума в паузах и детонации…»). И студия Masterdisk со знаменитым Бобом Людвигом на борту, через руки которых прошло значительное количество известных фонограмм, активно этот ужас использовали. Я сомневаюсь, что они делали отдельный пре-мастеринг для CD и винила. Нет, они делали его один раз, в цифровом виде, а для пластинки затем выполняли обратную конвертацию в аналог. Различия в звуке компашки и винила здесь могут быть объяснены дополнительными ухищрениями при мастеринге пластинки наподобие описанных в начале этого пункта.
   4. Аудиофилы часто говорят об особых ощущениях при прослушивании пластинки. Не последним среди этих ощущений является прослушивание тресков и шумов. В нашем культурном уральском городе несколько лет назад один музыкальный коллектив для придания звуку на альбоме аутентичности (а запись, разумеется, была цифровой) наложил на весь альбом тихий шум, греющий душу аудиофила. Звучало это, по моему мнению, не очень натурально. Так что, да, теплоту винил с ламповым фонокорректором и усилителем создавать умеют, что не всегда удается спародировать эмуляторами. Но всегда ли это означает лучшее качество винила в техническом смысле? Вопрос спорный.

   Эта статья ни в коем случае не снимает пунктов, описанных в статье «Почему стоит слушать винил?», а просто представляет альтернативный взгляд на положение дел.

6
Есть ли в Уфе студия для сведения, удовлетворяющая требованиям:
1. Просторная контрольная комната с акустической обработкой;
2. Студийные мониторы;
3. Аналоговый микшер (минимум - 16 каналов) студийного уровня.
Свожу сам.

Известные студии-базы, о которых я знаю, меня не особо устраивают. Хотя, может, что-то поменялось?

7
ЭТО ИНТЕРЕСНО / Автотьюн в 80-е
« : 05 Декабря 2018, 10:03:03 »
Warning №1. Все приведенные примеры уже имеют таймкод и начинаются с того момента, на который автор хочет обратить внимание.
Warning №2. Не слушайте товарищей, которые будут кричать: Автотьюн появился только в 1997 году – смотри википедию!!! В те времена все было честно, и раки по три рубля!

Думаю, автотьюн в сегодняшней музыке давно уже набил всем оскомину. Всем известно, что первый программно-аппаратный комплекс по выравниванию вокала по интонации появился в 1997 году, а один из первых и самый известный пример его использования – песня Шер Believe. Но бьюсь об заклад, ты не знал, мой дорогой читатель, что уже в 80-е были средства по корректировке не совсем точно спетых нот (но это, конечно, было на загнивающем Западе, а не у Тропилло с Вишней).
Вообще, в классическую эпоху рока, то есть в 60-е - 70-е годы было несколько способов получить идеальный по интонации вокал:
1.   Перезапись, перезапись, перезапись. То есть записывание дублями до победного, пока звезды не сойдутся, и вокалист не споет, наконец, точно. Вокалистам давали советы вставать на цыпочки, улыбаться, больше дышать и так далее.
2.   Дабл-трек и использование бэк-вокала. Позволяло несколько скрасить огрехи за счет более «жирного» звучания.
3.   Использование реверберации. Как известно, реверберация скрашивает многие огрехи исполнения. При «сухом» же звуке недочеты слышны. Также использовались хорус, компрессия с сильным сжатием и так далее.
4.   Чит №1. Запись на более медленной скорости магнитофона и, соответственно, в более низкой тональности с последующим ускорением записи и, соответственно, возвратом тональности назад и повышением голоса по высоте.
Короткий единый пример использования этих четырех нехитрых трюков – ниже.
https://youtu.be/wkeWSJBZ990?t=163
В 80-х к этому добавились цифровые трюки. В это время появились цифровые магнитофоны, которые позволяли хранить записанные партии в виде кода. Также появились сэмплеры, способные загружать с пленки ограниченный по длительности кусочек записи в цифровом виде, разбивать его на составные части, обрабатывать и так далее: безумно дорогие Синклавиры, Фэйрлайты, Э-му III и так далее. Безусловно, такой подход требовал длительной и кропотливой работы звукорежиссера и автотьюном такую операцию и не назовешь, потому что автоматизации процесса как таковой не было. Это называлось «питч коррекцией». Но дальше по тексту я все равно буду называть это автотьюном.
Все знают, как звучит автотьюн сегодня, но, опять же, немногие знают, как звучал автотьюн тогда. Лучший, на мой взгляд, пример – знаменитейшая песня Heaven is a Place on Earth (1989 год), где присутствуют все вышеперечисленные ухищрения с вокалом плюс автотьюн.
https://youtu.be/P-WP6POdTgY?t=36
Послушайте, как в конце каждой строчки текста немного неестественно дрожит голос певицы (как в диснеевских мультифильмах, когда голоса мышек имитировали, ускоряя пленку). Также наблюдается и другой побочный эффект автотьюна как «усталость» голоса. Стоит правда отметить, что звучит это немного в большей степени естественней сегодняшнего автотьюна. Вокал на всем альбоме с этой песней был вручную выправлен звукорежиссером. Я всегда замечал, что, также как и в примере с Шер, вокал звучал необычно, но не знал, в чем причина.
Еще один пример песни той же певицы, Белинды Карлайл (слушайте конец строчки). В этом пример можно наблюдать еще один побочный эффект – желая дотянуть голос до ноты, голос немного перетянули и завысили по строю.
https://youtu.be/pmZYE8j2ZNs?t=48
С конца 70-х можно также было использовать синтезатор «вокодер» (и его конкурентов), который модулировал голосом ноты, играемые на клавиатуре. Хороший пример, звучащий почти как современный автотьюн, ниже (87-й год, ребята!):
https://youtu.be/c1xf_RWhwso?t=78
Вообще, искать примеры автотьюна того времени достаточно сложно, поскольку тогда им не злоупотребляли:
- во-первых, использовали его довольно замаскировано, чтобы не быть обвиненными в обмане слушателей;
- во-вторых, технические возможности не позволяли тогда использовать его всюду, поэтому втыкали его только на самых ответственных участках партии.
Другой пример – песня KISS «My way» с попсовейшего альбома Crazy nights (1987). Меня всегда поражал момент в конце песни, когда голос Пола Стэнли, и так довольно высокий в этой песне, просто взмывал до небес.
https://youtu.be/ogY-ncPiDfU?t=179
Послушав этот фрагмент несколько раз в наушниках можно заключить: голос в этом моменте звучит неестественно, как минимум ускоренно. Сегодня, когда есть возможность послушать изолированный вокальный трек с этой песни, можно заключить: здесь есть не только «классические» приемы, но и:
- явный автотьюн, как минимум во всех моментах протяжных нот;
- запись очень короткими кусками (слышны места пуска и остановки пленки), видимо, использовали способ номер 1, доведенный до предела.
https://youtu.be/CM7O0iuTZZU?t=119
Слушайте конец фразы:
https://youtu.be/CM7O0iuTZZU?t=60
Не помню где, не то в книге у Пола Стэнли, не то у Джина Симмонса я читал, что они жаловались, как тяжело было записывать вокал для этого альбома – просто куча дублей, ведь Полу Стэнли нужно было петь очень высоко, а автотьюна не было. Как же это не было?

8
ЭТО ИНТЕРЕСНО / Концертный ад
« : 12 Октября 2018, 11:39:37 »
В очередной раз решил тряхнуть стариной и сходить, например, на Валеру, в общем-то (с). Посмотрел записи последних концертов и понял, что совсем не хочу туда.
Скажите, почему постановщики современных рок-концертов решили, что зрителя нужно довести до эпилептического припадка любым способом?
Почему пространство зала сверлят лазеры, словно зрение машин-убийц из терминатора? Почему куча прожекторов мигает с большой частотой? Почему куча дымовых и еще не пойми каких машин под каждый припев заливает всю сцену инфернальной атмосферой?
Почему при монтаже видео с концерта нужно каждые полсекунды переключать план: то слева, то справа, то с видеокрана с заваленным горизонтом, то с портативной камеры на палочке у барабанщика?
Что, если свет будет умеренным, не будет постоянно мигать, а планы не будут меняться так часто, что я даже смогу что-то рассмотреть в кадре – будет хуже? Или надо, чтобы рок-концерт обязательно погружал зрителя в ад и выворачивал наизнанку? Впрочем, в 2006 году я был на Арии, и, честно говоря, значительная часть почтенной публики находилась в состоянии, в котором подобный расколбас ей был на руку.


9
ЭТО ИНТЕРЕСНО / Слабые тексты
« : 07 Октября 2018, 21:59:57 »
Буквально пару дней назад я, больной простудой и совершенно разбитый, решил скоротать время и пересмотреть по старинке один из музыкальных DVD из своей коллекции. Под руку попался юбилейный концерт группы Alabama заграничного издания. Дальше я сделал непростительную глупость: включил субтитры с текстами песен. А ведь Выгныч и школьный учитель английского меня предупреждали, что в английские тексты не надо вдумываться, а то впечатление портится. Хотя английский я понимаю достаточно неплохо, и, при желании, вслушиваясь, смысл могу понять практически всегда, мозг делает свое дело и фантазирует, дополняя текст несуществующими украшениями и смыслами. Когда же текст читаешь, впечатление совершенно другое. Протокольно-объективное. И далее я в течение часа читал расшифровку того, что поет Рэнди Овен. Собственно, конечно, Alabama не бог весть какая рок-группа, а вполне себе коньюнктурный кантри-поп-рок-коллектив, именно на своем звуке и атмосфере американского уюта в песнях сколотившая состояние. Но боже мой… Таких банальных текстов еще поискать… 90% песен посвящены любви. И тексты примерно: «ты прижалась ко мне, я тебя обнял, не говори прощай, а лучше поцелуй меня, просто прижмись и люби меня, ммм, все отлично». И так в каждой песне. Иногда с вариацией на «помнишь я ушел, но потом осознал, что жить без тебя не могу и вернулся» или «едем мы по трассе на моем кадиллаке, одна рука на руле, вторая – у тебя на колене, я люблю тебя, а ты, соответственно, меня». Есть и еще одна вещь, которая меня очень задела – это использование заезженных речевых оборотов. Например, «guilty of love in the first degree». Навскидку, как минимум у двух коллективов я уже это слышал – у Whitesnake и Kiss. И думаю, что если воспользоваться гуглом, можно найти еще десяток подобных примеров.
Какой же вывод? А никакого вывода нет. Сильно я эту проблему еще не анализировал, но, задумавшись на секунду, скажу, что тексты у многих классических рок-групп, наверно, слабы. Собственно, не только у них. Тексты и у Прокофьева с Мирой Александровной хромали (а у ранних Битлз, кроме местоимений в тестах, как известно, вообще ничего не было). Действительно, видимо, слушая старых добрых семидесятников-восьмидесятников, текста лучше не знать, чтобы не снижать впечатления от хорошей музыки. Или слушать Yes?

10
   В очередной раз я натолкнулся на подобную тему на интернет-форуме. В ней развернулось ожесточенное обсуждение «винил vs цифра». Это был популярный IT-форум (и, я думаю, вы догадываетесь какой), поэтому сторонники аналогового звука были быстро закиданы помидорами и вынуждены были удалиться ощипанными, но непобежденными. Нам - людям, заставшим старое, доинтернетовское время, сложно объяснить молодому поколению, чем такой большой, неповоротливый, подчас тяжелый, подверженный старению носитель может быть лучше смартфона, подключенного по беспроводной связи к сети «интернет», где пользователя ждут миллионы песен и тысячи альбомов. Я все же попытаюсь объяснить, чем:

1.   Коммерческий физический носитель цифровой музыки – компакт-диск. Стоит ли говорить, что качество звука на компакте неидеально? 16 бит (разрядность), 44100 Гц (частота дискретизации). По сегодняшним меркам – невысокие показатели. Более того, качество музыки на интернет-сайтах (Youtube, iTunes, Яндекс.Музыка, социальные сети) еще ниже. Это даже не т.н. lossless, а mp3 битрейта 112-160 kbps. Помню, лет 15 назад, когда mp3 только вошел в мою жизнь, я взял у друга сборник Queen из серии «двадцать альбомов на одном диске». На компьютерных колонках я как-то это еще слушал, но вот когда решил послушать в транспорте в наушниках, я понял, что слушать ЭТО совершенно невозможно. Но удобно носить с собой, конечно. В любом случае, для прослушивания музыки с цифрового устройства с необходимостью полного погружения в нее (а не для прослушивания ради фона) лучше использовать форматы «без потерь», например, файлы с расширением flac.
Винил же теоретически не имеет ограничений по качеству, поскольку является физической копией мастер-диска, дорожки которого нарезаны иглой-резаком, вибрация на которую подается с катушки, через которую пропускается электрический сигнал, являющийся АНАЛОГОМ намагниченности мастер-ленты, являющейся АНАЛОГОМ звукового сигнала. Увы, на практике качество ограничено, поскольку любой участник аналогового тракта неизбежно вносит свою погрешность, нелинейность. Эти неидеальности, однако, на слух менее неприятны, чем ограничения цифровых компонентов системы. Чем же лучше звук с винила субъективно? Для меня прежде всего детальностью: на виниле я слышу те вещи, которых я никогда не слышал на цифре. При этом, как ни странно, но порой сорокопятки звучат лучше лонгплеев, видимо за счет более высокой скорости вращения, которая выполняет роль «частоты дискретизации». Именно слушая оцифровку промо-сингла «Hotel California», я открыл для себя, что во втором припеве в месте «such a lovely face» голос Хенли западает, звучит усталым. До этого я никогда осознанно этого не ощущал. Если знать об этом, то это можно расслышать и в mp3 версии, но там это звучит гораздо менее явно и более мутно.
Таким образом, если музыку вы слушаете дома, с максимальным погружением в процесс - слушайте винил. Если необходима мобильность – слушайте файлы на цифровых устройствах в формате flac. Как компромисс можно слушать компакт-диск.

2.   Оформление издания. Смотреть сканы обложки на iTunes? Нет уж, увольте. Разворачивать обложку CD? Да, однако формат листов не позволяет вдоволь насладиться графикой и неудобен для чтения. Обложка пластинки же часто предоставляет изобилие информации, относящейся к альбому. Высококачественная полиграфия позволяет насладиться мастерством художника или фотографа (особенно арт-роковые альбомы дают им простор для работы). Физическая сущность конверта пластинки предоставляет дизайнерам свободу в плане выбора его конструкции: конверт может быть одинарным или с разворотом, содержать пластинку непосредственно в себе или содержать дополнительный защитный конверт, на который также можно нанести полиграфию. Некоторые пластинки содержат внутри дополнительные секции для полиграфических материалов – буклетов с фотографиями, карточек заказа дополнительной продукции и так далее. Изредка попадаются пластинки с совсем уж нестандартной конструкцией, содержащие в себе дополнительные элементы, оказывающие визуальное воздействие на покупателя (альбомы Led Zeppelin – Physical Graffiti, Rolling Stones – Sticky fingers, Rick Wakeman – No earthly connection). Таким образом, всегда приятно одновременно с прослушиванием музыки читать сопроводительную информацию к альбому, уютно расположившись в кресле. Впрочем, молодым людям это сложно объяснить. Современные люди «лежат» в интернете, для экономии средств пользуясь домашним wi-fi.

3.   Важнейший пункт. Скажите: легко ли сегодня найти в сети оригинальный мастер альбома в приемлемом качестве? Например, Elton John's Greatest Hits Volume II (1977)? Даже если ответом на последний вопрос будет «торрент-трекер», есть несколько но: а) оригинальный альбом был аналоговым, значит, в лучшем случае, вы скачаете оцифровку, сделанную не пойми как. Зачем это делать, если можно слушать оригинал? б) если вы скачаете профессионально сделанное CD-издание 1992 года, вы получите в любом случае уже ремастер; в) чем реже встречается запись и чем меньшей аудиторией обладает артист, тем меньше вероятность ее успешного скачивания с торрент-трекера. Иной раз можно прождать несколько дней, но так и не получить желаемый пир.
Почему вообще важен оригинальный мастер и почему народ переплачивает за «первопрессы»? Дело в том, что только в этом случае вы можете гарантировать, что слушаете то же самое, что слушали люди тогда, когда альбом вышел. Потому что иной раз переиздание обозначает, что печаталось это с не пойми какого мастер-диска и мастер-ленты (если это копия, то соотношение сигнал/шум вероятно снизится), а при некоторых переизданиях даже возможны ремиксы (не говоря уж о ремастеринге) и изменения в трек-листе! Именно слушая оригинальные, старые пластинки возможно приблизиться к духу тех времен, когда эти записи создавались, потому что обработки на этих записях присутствуют по минимуму – именно столько, сколько задумали музыканты и звукоинженеры, производившие продукт. Конечно, не всегда звучание пластинки-первопресса наилучшее: например, японское первое издание CD-диска Deep Purple – In rock звучит лучше оригинальной пластинки, в частности, благодаря устранению ужасных искажений и шумов, присутствовавших на оригинальном издании. Переиздание альбома Kiss – Creatures of the night 85-го года с перемикшированием добавило сбалансированности в звуке некоторым песням. Поэтому с одной стороны можно сказать, что ранние CD-издания хороши, поскольку содержат минимум дополнительного «раздувания компрессорами» и максимум полезных улучшений, наподобие борьбы с шумами и недочетами исходных записей, допущенными, например, по причине спешки, но с другой стороны качество АЦП в те времена было еще довольно посредственным, поэтому перевод в цифру добавлял «ватности» звуку. Идеальна была бы в этом случае повторная оцифровка мастер-пленки в наши дни, если она сохранилась и находится в приличном состоянии. Но мастеринг-инженеры почему-то не могут просто произвести чисто технические операции и все. Им обязательно нужно сделать ремастеринг и уровнять Даргомыжского по RMS с Рианной.
В свое время Бродский сказал: «Причина того, что англоговорящие читатели едва ли могут объяснить разницу между Толстым и Достоевским, заключается в том, что они читают не прозу первого или второго. Они читают Констанс Гарнетт». Так вот: приобретая сегодняшние ремастеры, вы слушаете не Dire Straits и не Nirvana. Вы слушаете Боба Людвига.

4.   В этом пункте я хочу несколько сбросить ореол сверхъестественности с аналога и поддержать цифру, не отрицая, однако, что в конечном итоге аналог побеждает.
Лучше ли аналог цифры объективно? В идеале – да. Но, как я уже сказал, в реальности любые аналоговые устройства – это изделия, которые имеют свои недостатки, поэтому аналоговый звук, записываемый или воспроизводимый этими устройствами также неидеален. Проблема аналоговых устройств – в том, что они дороги, требуют хороших условий эксплуатации, настройки и квалифицированного ремонта. Именно цифра позволила значительно подняться по уровню качеству звука в бытовых устройствах. Поэтому когда сегодня старые перцы говорят о качестве пластинок и пленок, молодежь их не понимает: молодые люди вспоминают папин магнитофон и бабушкин проигрыватель и содрогаются, вспоминая «теплый шум магнитофона» и «ламповый треск проигрывателя». Да, аналоговые источники звука придают музыке окрас, благодаря чему котируются многими аудиофилами. Но мне данный «плюс» интересен меньше всего. У аудиофилов в ответ есть стереотип, что звук на CD -  плоский и безжизненный. Такая отличительная особенность действительно имела место быть. Объективно. Виной здесь, конечно, не только сам компакт-диск. Дело в том, что с конца 70-х корпорациями-производителями звукозаписывающего оборудования (Sony, Mitsubishi) продвигались цифровые многоканальные магнитофоны, стоившие по нескольку сотен тысяч зеленых портретов Джорджа Вашингтона. Маркетинг (например, через журнал Billboard) был настолько агрессивным (с топлением аналоговой техники как устройств вчерашнего дня – шумящих, громоздких и т.д. - и восхвалением цифры – «представляете, тишина в паузах!»), что многие студии раскошеливались на цифровые агрегаты и… Как ввязавшимся в сетевой маркетинг им не оставалось ничего более, как пытаться отбить потраченные деньги путем привлечения новых клиентов, что выливалось в насквозь фальшивые интервью на страницах журнала, в которых они рассказывали, что цифровой магнитофон едва ли не сам играет на рояле и поет. АЦП на первых моделях были 16-битными с частотой дискретизации 44100 Гц, что по меркам сегодняшнего дня недостаточно для записи исходных треков. Также Sony продавала жутко неудобную чудо-ЭВМ для цифрового редактирования треков. Ситуацию несколько улучшало только то, что хотя бы для сведения Sony ничего не смогла изобрести (качественно суммировать такие объемы данных «в прямом эфире» персональные ЭВМ того времени еще не умели). Поэтому микширование на протяжении 80-х по-прежнему выполнялось на аналоговой консоли. Но иногда при сведении использовали только появившиеся цифровые процессоры, некоторые из которых обладали разрядностью аж 8 (!) бит. При этом конечный продукт опять записывали в цифровом виде! Именно такой процесс многократного низкокачественного перегона между аналогом и цифрой являлся причиной того, что новоиспеченные альбомы 80-х (например, альбомы группы Alabama первой половины десятилетия) звучали ну очень тихо, ватно и мутно. В начале 90-х на свет появилось чудо - программно-аппаратный комплекс под ныне хорошо известным названием Pro Tools. Разработчики воплотили то, что не удалось Sony в 80-х, а именно сведение «в коробке», то есть на компьютере. И муть вышла на новый уровень. В то же время альбомы, записывавшиеся «по старинке» и оцифровывавшиеся для CD в самую последнюю очередь (на этапе создания мастер-диска), с самого начала эры CD звучали вполне неплохо.
Похожая неопределенность существует с пластинками, нарезанными с цифрового источника. Вспоминается статья из журнала «Стерео и видео» ориентировочно 2012 года по поводу выхода нового альбома Whitesnake: автор писал, что исходник и у CD, и у винила цифровой, но винил, не пойми почему, звучит лучше. Что это, чистое самовнушение? Однако мое объяснение такое: если исходником для винила был высококачественный мастер, например 24/96, то, разумеется, винил будет звучать насыщеннее CD, физически не способного выдать ничего более 16/44,1.

5.   Еще одним достоинством аналоговых источников информации является то, что он существует физически и принадлежит Вам, находясь у Вас дома (это же и субъективный недостаток, потому что за пластинку нужно заплатить, нужно место для хранения коллекции). Проблема сегодняшнего интернета - в том, что ссылка на конкретную информацию действует только здесь и сейчас. Информация по ссылке может быть подменена или удалена. Поэтому в один прекрасный день явившись туда, где Вы договорились встретиться с дядей, который вам что-то виртуально пообещал в виде пользовательского соглашения, вы можете обнаружить в лучшем случае ничего. Пластинка же останется с вами на долгие годы в практически неизменном виде. Это ваша собственность, в отличие от виртуального кабинета на различных сайтах, которые могут закрыться или вовремя попасть под санкции. Не играйте на чужой территории, дома и стены помогут.

11
Буквально сегодня я узнал, что Journey включены в апреле 2017 года в зал славы рон-н-ролла. Я тут же посмотрел на youtube запись церемонии. Как известно, сама церемония – это всегда театр, шоу. Обычно группа в полном составе (включая некоторых предыдущих членов) получает фирменные статуэтки на сцене, произносит пафосные речи, а затем исполняет несколько хитов. Профит. Занавес. Разочарованием текущей церемонии для фанатов стало то, что Стив Перри, с голосом которого ассоциируются все хиты группы, не спел с группой, уступив место молодому вокалисту Пинеде. Плюс, вместо имеющего неприятности с законом барабанщика последних лет Кастроновы с группой в последнее время играет барабанщик классического периода Стив Смит. Таким образом, Перри – единственный из классического состава, кто не выступил на сцене. Да, основная часть фанатов понимает, что сегодня голос Перри далеко не такой же, как был в то время. Его голос начал садиться и обрастать хрипотцой уже в первой половине 80-х. Есть запись 2014 года, где Перри спел в клубе. В целом, Перри пел, как дедушка не юбилее, несмотря на то, что композиции были приджазованы и замедлены. Но это было очень мило. Мне кажется, на церемонии он вполне мог пару песен и спеть. Хоть это и не смотрелось бы эффектно, но хотя бы для ностальгии. Впрочем, Journey поступают совершенно правильно, что в угоду качественному исполнению они держат молодежь. Потому что заставлять публику слушать вокал Пола Стенли-2017, ощущать дрожь в его голосе, чувствовать его боль при взятии верхних нот – это садизм.
Собственно, зачем я здесь? Давайте посмотрим назад и прослушаем два классических альбома Journey и один концертник.
Journey – Infinity (1978).
Первый альбом со Стивом Перри. К слову, до его прихода группа мыкалась около пяти лет, записала три альбома и активно концертировала (залы уровня Winterland). В 1978 группа вдруг поняла, что так больше продолжаться не может и нужен харизматичный певец. Перри нашли со второй попытки (Роберт Фляйшман потерпел на этом поприще неудачу). Некоторые песни для альбома уже были написаны и даже опробованы на концертах, к некоторым приложил руку и сам Стив. По материалу и стилю альбом весьма близок к их третьему альбому Next (1977). И тут, внимание (!), продюсировать  альбом позвали Роя Томаса Бейкера! Для тех, кто не знает, - это человек, который спродюсировал все классические альбомы Queen. Именно поэтому при записи были применены фирменные «квиновские» приемы: многократное наложение гитар, хор, панорамные эффекты и так далее. Клипы, снимавшиеся в тот момент, тоже весьма напоминают Queen. Альбом нужно слушать полностью, хотя я, безусловно, выделю песни Something to hide, Winds of march, Lights, Feeling that way.
Ниже – ссылка на оцифровку пластинки.
https://www.youtube.com/watch?v=wrDg8L-tco8

Journey – Escape (1981)
Лучший их альбом и четвертый альбом со Стивом Перри. Наиболее известная нашему слушателю песня – Don’t stop believing, благодаря ее использованию в сериалах и телепередачах (например, на канале UTV в новостях). При этом проходных песен в альбоме нет. Все песни с альбома исполнялись вживую на концертах. 6 синглов с альбома! Пластинка значительно отличается от Infinity по стилю и звуку. Infinity – все-таки альбом 70-х годов – полуакустическое, атмосферное звучание. На Infinity группа еще не до конца отделалась от своих джаз-роковых корней, многие песни напоминают по структуре джазовые стандарты (тема - импровизации на тему). На Escape четкая песенная структура, звук – более мутный, более плотный. Стиль – с одной стороны более тяжелый рок, с другой – это ближе к мейнстриму 80-х. В дальнейшем, к сожалению, группа будет развивать эту тему и придет через альбом Frontiers (1982) к совершенно пластиково-попсовому Raised on radio (1986) с драм-машиной, синтезаторами и подсевшим вокалом Перри.
Ссылка на оцифровку пластинки:
https://www.youtube.com/watch?v=T8gTlHInJIA

Journey – Live in Houston (1981)
Концертная видеозапись, заснятая MTV в Хьюстоне, штат Техас в 1981 году. Благодаря стараниям борцов за соблюдение авторских прав ее практически невозможно найти в полном виде на Youtube. В том же время, отдельные песни с концерта выложены официально. Несколько лет назад на ютюбе также присутствовала ранняя VHS-версия концерта. Примечательна она всего лишь одним местом: во время исполнения песни Escape, когда Перри пробегает мимо басиста Росса Валори, он, едва на него не наткнувшись, поет “breakaway” отрывисто и несколько удивленно (это, как вы понимаете, оригинал), а в DVD-версии – совершенно обычно, нараспев (это, как вы понимаете, овердаб, впрочем, очень качественный, по тембру неотличим). That’s all, folks!

12
Во-первых, скажу, что все выбранные альбомы записаны в 70-х-90-х за границей. В русском роке найдутся, конечно же, еще десятки достойных примеров. Выбирались, в основном, широко известные альбомы, которые можно отнести к классическому року.
Во-вторых, все перечисленные альбомы я с музыкальной точки зрения очень люблю (и публика любит) и невысокое качество звука этому не помеха.
В-третьих, давайте определимся, что я понимаю под плохим качеством звука на альбоме:
1.   Плохая изначальная запись (перегруженность, шум пленки или низкая разрядность АЦП, небрежность самих музыкантов при записи);
2.   Плохое сведение (плохо слышны или наоборот выпячены отдельные инструменты, избыточное количество используемых эффектов);
3.   «Мутный» микс (перекомпрессирование на мастеринге или переаранжировка в процессе записи).
Это не хит-парад, здесь нет иерархии, это просто 10 альбомов:

1.   PINK FLOYD – A momentary lapse of reason (1987)
Пинк Флойд определенно считаются эталоном звука в рок-музыке. Однако, и их 80-е годы не обошли стороной. Как известно, альбом впервые в истории группы записывался в домашней студии (располагавшейся на яхте Гилмора) на цифровой магнитофон. Записан альбом с точки зрения исполнительства на высоте. Но с точки зрения чистоты записи: сравните в наушниках со звуком на Dark side of the moon или Wish you were here. Муть мутью. Однако за счет использования кучи эффектов, компрессии и синтезаторов альбом первоначально производит яркое впечатление (как и все альбомы 80-х).
По какой песне оценить: One slip

2.   Yes – Going for the one (1977)
Еще один наполнитель формата SACD, тотем аудиофилов и клиент дизайн-студии Hypnosis. Альбом записывался в Швейцарии на очень мощной по тем временам аппаратуре. В записи поучаствовал даже орган из местной церкви. Но, к сожалению, кристально чистую запись можно слышать только в тех местах альбома, где играет минимум инструментов (например, в Turn of the century – гитара и голос). С началом «стены звука» (рок-группа+орган+инструментальные подкладочки+вокальные гармонии) начинается ТАКАЯ муть, что я долгое время думал, что вместо оцифровки LP в формате loseless FLAC я слушаю MP3 (из серии 30 альбомов на одном компакт-диске).
По какой песне оценить: Parallels

3.   KISS – Hotter than hell (1974)
Вы думаете, грандж изобрел Курт Кобейн? Послушайте этот альбом. Грязный гаражный звук, куча овердабов, потрескивания. Все бы ничего, но Джин Симмонс в интервью говорил про этот альбом: «Записан он был лучше дебютного альбома, а вот материал был не так хорош». Записан лучше?! Барабаны располагались в подвале студии? Почему я слышу какую-то кашу вместо барабанов с четкой атакой? Вы скажете: «Так барабаны записывали в лифтовой шахте!». Нет, это было на альбоме Destroyer. Тогда вы скажете: «Барабаны записывали в ванной!». Нет, это было на альбоме Rock and roll over. На этом альбоме барабаны просто плохо записаны или перекомпрессированы (там еще, говорят, было вырезанное восьмиминутное соло на барабанах). Ремастер 2014 года звучит, кстати, получше. А когда в 2003 году после прочтения интервью Джина Симмонса в журнале Classic Rock я послушал версию на диске издания CD-Maximum (которые еще наверняка записали туда преобразованный MP3 вместо CDA), я был просто в шоке.
По какой песне оценить: Got to choose

4.   Paul McCartney – Off the ground (1993)
Данный альбом записывался в формате «живьем в студии» на цифровую аппаратуру с последующими овердабами и доработкой в режиме «оффлайн». И здесь присутствуют практически все признаки низкого качества, о которых я упомянул вначале. Вся звукорежиссерская работа выполнена с тем же качеством, с которым в клипе к одноименной песне наложено на хромакей изображение летающего Пола. То ли Маккартни пытался приблизиться к звуку 90-х (более отстраненный, электронный), то ли я не знаю что. Потому что в песне C’mon people, начиная с 3:37, у меня создается ощущение, что я вновь в 90-х и слушаю Дмитрия Маликова в передаче «Утренняя почта» с Юрием Николаевым. А музыкальный материал, написанный Маккартни для альбома, довольно неплох, хотя и не сравнится с London Town, например.
По какой песне оценить: Off the ground


5.   Beach boys – Wild honey (1967)
Этот альбом является эталоном Lo-fi музыки. Собственно, в 60-х качеству записи (особенно для «сингловой» музыки) уделяли мало внимания. Вспомнить хотя бы песню Dave Clark Five – Anyway you want it, во время прослушивания которой барабанные перепонки собираются лопнуть (хотя сама песня – на все века). А Beatles, например, практиковали на стерео-версиях альбомов заимствованный у джазменов прием – четкое разведение инструментов по каналам, из-за чего прослушивание в наушниках становилось невыносимым.
Альбом Wild honey был записан вскоре после того, как у Beach boys не получилось поставить мир на уши записью Smiley smile (1967). Брайан Уилсон скатился в депрессию, и группа стала работать в домашней студии, причем сам Брайан не принимал активного участия в записи, отдав бразды правления младшему брату Карлу. Группа немного поменяла стиль – от «чистого», вокального рок-н-ролла к року более блюзовому, грубому. Все это сказалось на качестве записи. Хотя альбомы Beach boys 70-х годов для сравнения записаны довольно качественно.
По какой песне оценить: Here comes the night (не путать с версией на альбоме L.A. (1979))

6.   Queen – Queen I (1973)
Основной проблемой первого альбома, по признанию самого Брайана Мэя, является переанжировка – то есть усложнение музыки экстенсивным путем за счет избыточного добавления большого числа партий (вокальных, гитарных). Собственно, это присутствует на всех альбомах Queen 70-х. Но на первом альбоме ребята, наконец, дорвавшиеся до студии, выложились в этом плане на всю катушку. Количество различных проигрышей, вставочек, соло здесь зашкаливает. При этом звук всех этих соло очень приближенный к слушателю, сухой. С одной стороны, я считаю такой способ записи скорее достоинством, но здесь это слишком выражено, что звучит грязно. Также раздражает наличие нескольких параллельно поющих голосов Меркьюри (именно не в гармонии, а просто параллельно поющих) или запись каждой строчки песни отдельным дублем, что производит впечатление какого-то балагана. Звук барабанов слишком сильно сжат по динамике. Также иногда очевидна  неточная настройка инструментов, что также добавляет грязи в звучание. Но в плане материала данный дебютный альбом шедеврален! Это не просто глэм, это прогрессив! Все будущие «фишки» Queen растут отсюда.
По какой песне оценить: My Fairy King

7.   Vinnie Vincent invasion – All systems go (1988)
Гитарный герой Винсент Кьюзано, поиграв с Дэном Хартманом и Кисс и насочиняв кучу хитов (например, Back on the streets – его песня), создал свою собственную группу, чтобы играть глэм-металл. Материал альбома очень хорош, голос хорош, гитарные скиллы – хороши. Но вот звук! Я слушал различные версии этого альбома, и при прослушивании любой из них складывалось ощущение, что звук «порезан». Как будто сменили частоту дискретизации. В области средних частот лежит муть, а наверху - как будто искусственно добавленные гармоники (в восьмидесятых цифровые восьмибитные процессоры эффектов делали так для восстановления звука). Добавляет бардака и хаотично записанное обилие гитарных и вокальных партий. Про сам технический процесс записи альбома мне не удалось найти никакой информации, за исключением того, что барабанщик в интервью говорил, что при записи гитары «все было очень громко».
По какой песне оценить: Love kills

8.   Boston – Third stage (1986)
Потрясающий, мрачный «третий уровень» от Boston откровенно хорош в плане песен. Но для группы это был мучительный альбом: он готовился 6 лет. Лидер группы Том Шольц божился, что альбом – 100% аналоговый и записан на ту же самую аппаратуру и в том же самом подвале, что и первые два альбома. Но 6 лет не прошли даром для пленки, которая начала сильно сыпаться, из-за чего Шольцу пришлось обработать ее специальным составом, что добавило «стекла» и мутности в звучание. Также, в отличие от первых двух альбомов, здесь присутствуют сэмплированные барабаны (привет, 80-е!) и разработанный Шольцем гитарный процессор Rockman. Еще, по мнению вашего покорного слуги, дотянуть некоторые проблемные ноты вокалисту Делпу помогали технические приемы (например, изменение скорости пленки). Стоит отметить, что альбом до сих пор (в отличие от своих соседей по дискографии) не ремастерирован. Все, что мы имеем, это – оригинальное MCA издание и MFSL издание (последнее звучит получше). Также на youtube можно найти «самопальные» ремастеры, но это все, как мы понимаем, не то. Таким образом, имеем по звуку типичный мутный альбом 80-х годов.
По какой песне оценить: Amanda, Hollyann


9.   Slade – Old new borrowed and blue (1974)
Еще один известный своим плохим качеством записи альбом. Здесь основная проблема, как мне кажется, - в том, что все записано на очень высокой громкости и в целом грязно. Пленка трещит, усилители – в насыщении, песочный овердрайв. Замечательно. Похожий эффект присутствует в песне KISS – Almost human (особенно на вокальном треке). Чувствуется мутность в звуке, хотя число инструментов минимально. Сам звук записанных инструментов – сухой. Но все это сдобрено на сведении и мастеринге щедрым ревербом Джон Леннон-стайл с малым временем задержки. Что, правда, придает записи аутентичности, делает ее похожей на записанную прямо в клубе, на концерте. Но давайте скажем честно, разве не этого эффекта сами Slade добивались? В случае с данным альбомом его плохое качество даже помогает. Во-первых, Slade в то время воспринимались как хулиганы, панки. Поэтому такое нигилистическое отношение к записи скорее сопутствовало. Во-вторых, на альбоме присутствует большое количество стилизованных по старину вещей, например, Find yourself a rainbow. Поэтому плохое качество записи придает дополнительный шарм, позволяя вернуться в эпоху 30-х, «тяжелых» пластинок 78-й скорости и репродукторов типа «тарелка».
По какой песне оценить: Don't Blame Me

10.   Genesis – Invisible touch (1986)
Сколько нервных систем поломали 80-е с цифровой записью! Никто не считал?
Да, сравнивания звук данного альбома с ранними творениями Genesis, можно сразу сделать вывод: как четко все звучит! И бас какой ровный! И драм-машина, то есть, простите, барабаны как сочно звучат! Но, к сожалению, такой звук, настолько идеальный для саундтрека к калифорнийским боевикам 80-х годов, настолько же холодный и отстраненный для аудиофила. Слушатель пытается проникнуться записью, представить, что музыканты – здесь, рядом. Но это не получается. Между группой и меломаном – полиэтилен.
Находясь в поиске подходящего эпитета для описания звука, я неожиданно обнаружил слово: беззубый. Беззубый звук. Такое ощущение, что у Фила Коллинза нет зубов и он посвистывает. Или пародирует Лещенко. У гитары нет зубов. Моя гитарная педаль «Лель» выдавала более чистый звук (правда в ней не было цифровых цепей, только аналоговый «убей все живое» овердрайв). И сюда добрались проклятые компрессоры, заручившись поддержкой 16-битового АЦП. Каюсь, не слушал SACD-версию альбома. Достать ее непросто. Хотя, что-то надежд я не питаю. Хотя, а вдруг?

По какой песне оценить: Domino, Invisible touch







13

Я люблю Брайана Уилсона. И мне нравится то, что бывший лидер группы Beach Boys, судьба которого сложилась невероятно тяжело, продолжает на восьмом десятке радовать нас своим творчеством.

Пару недель назад я побывал в ТЦ Башкирия впервые после его реконструкции и нашел там музыкальный магазин, в котором, помимо музыкальных инструментов, продаются компакт-диски. В основном в продаже классика (в том числе рока). Но всяких Дип Перплов и Рэйнбоу я наслушался уже десять лет назад, поэтому решил взять что-то менее избитое. Взял два диска, один из которых – новый альбом маэстро (ранее об этом альбоме я не слышал). Сразу порадовало то, что альбом хорошо оформлен – богатый буклет входит в состав издания. В буклете приведены тексты песен и имена всех причастных к производству этого продукта.

Самое свежее, что я слушал из творчества маэстро до нового релиза, это альбом That lucky old sun (2008) (у меня есть этот компакт-диск) и первый за последние двадцать лет альбом Beach Boys – That’s why God made the radio (2012) (у меня есть youtube), на котором очень много вокала Брайана. Поэтому предполагал, что на новом альбоме будет примерно то же самое. И был жестоко обманут. Альбом с первых минут мне не понравился. Прослушав его полностью, я был наполнен чувством горького разочарования и сожаления о покупке. Но я перебарывал себя, прослушивая альбом раз за разом (на текущий момент слушаю его в четвертый раз). Затем я посмотрел маркетинговые видео на ютюбе, приуроченные к выходу альбома. Впечатление несколько улучшилось. Некоторые песни, оказалось, вполне можно слушать. Но некоторые (например, композицию под номером 2) я так и не смог заставить себя дослушать до конца.

Особенности этого альбома (не только недостатки):
1) концепция альбома, полностью отличная от That lucky old sun. Альбом 2008 года по стилю навеян сильнейшим концептуальным альбомом Beach Boys – Holland (1973) (единое звучание всего альбома, одна композиция переходит в другую, речевые вступления от автора между песнями, грусть во всех песнях с ощущением душевной чистоты от прослушивания). В новом альбоме – явно сингловая концепция – ожидание того, чтобы песня, выдернутая из альбома, ничего не потеряет и будет качать FM-слушателя. Расчет на мейнстрим, на форматный звук. В целом, альбом похож по результату на Beach Boys – M.I.U (1978): желание звучать современно и привлекательно портит отношение со старыми фанатами, но, на мой взгляд, не сильно привлекает нового обывателя, поскольку звучит все это все равно вяло и вымученно.
2) явно чуждые звучанию Beach Boys вещи: наличие в трек-листе песен в стиле чистой Боса Новы (желание вернуться на теплые пески в 60-е?), применение попсовых ухищрений, привлекающих внимание обывателя – соло на трубе с сурдиной, саксофон с хорусом, речетатив в стиле R’n’B. Танцевальная композиция Runaway Dancer вообще глубоко оскорбила меня как поклонника Брайана Уилсона.
3) желание поразить слушателя большим количеством приглашенных артистов, среди которых как бывшие коллеги Брайана по цеху – Эл Джардин, Дэвид Маркс, Блонди Чаплин, так и молодые американские «дарования» - Себу Симонян, Питер Холленс, She&Him (кто все эти люди?).
4) использование в больших количествах компрессии, автотьюна и реверба. Мастеринг делал тот же Боб Людвиг, который производил продукт 2008 года. В чем дело? Наверняка все это было уже на этапе сведения. Я понимаю, что Брайан Уилсон уже не молод, что ему тяжело петь и ровно держать ноты. Но оставьте лучше все как есть, мы любим его не за техничность. Все эти ухищрения были и на последнем альбоме Beach Boys. Но там это прокатило. Это более-менее слушалось. Но тут то ли форма у Уилсона стала хуже, то ли ручки продюсер Джо Томас перекрутил. Голос слишком дрожит (слишком перекрутили автотьюн). На некоторых треках Брайан звучит как робот! Его голос где-то далеко. Неживой, поддерживаемый десятком машин (или плагинов). Сам Брайан, кстати, отрицал наличие автотьюна на альбоме.
5) явный самоплагиат: композиция Sail away a.k.a Sloop John B (1966). Копируется не только мотив, но и используемые инструменты, частично копируются инструментальные «подкладки» (как и в композиции Saturday Night копируются «подъезжающие» бэк-вокалы с композиции Friends (1968)). Композиция Don’t worry a.k.a Don’t worry baby (1964). Я понимаю, что многие опытные исполнители используют самоповторы и имитацию своего старого стиля для сохранения аудитории, которую и так все устраивает. Собственно и я для этого купил этот альбом. Но в данном случае это уже совсем перебор и воспринимается мной, как слишком сильный аффинитет к ностальгическим рецепторам у слушателя.

После всего этого два бонус-трека, практически не обработанные и записанные в старые времена, слушаются как бальзам на душу. Даже без учета того, что это черновики, которые практически не сведены (иногда голос заглушает фортепиано). Да, Брайан не всегда ровно поет. Но зато тут есть душа. Глубина под поверхностью бесхитростной на первый взгляд любовной песенки. Грусть. То, что я ищу в музыке Брайана. Эти два трека напомнили мне бутлег Brian loves you (1977).

В принципе, сейчас я уже привык к альбому и могу его слушать без успокоительного. Если выкинуть треки 2,6,7,8, то альбом может даже дотянуть до среднего уровня. Я люблю Брайана. Но этот альбом – практически без души. Брайана здесь очень мало. Зато очень много маркетинга от его нынешней жены Мелинды. Так что рекомендую альбом либо любителям мейнстрима, не знакомым с творчеством Beach Boys, но знакомым с каналом RuTV, либо законченным фанатам Брайана Уилсона.

Что же слушать вместо этого?
Например, альбом Pet sounds (1966):
http://www.youtube.com/watch?v=CjHartYsOnY
Альбом Friends (1968):
http://www.youtube.com/watch?v=Pp9P0mOXfOM
Альбом Holland (1973):
http://www.youtube.com/watch?v=tWJXFNmCuMU
Альбом Love you (1977):
http://www.youtube.com/watch?v=HK_xwKHka7U
Brian Wilson presents Smile (2004):
http://www.youtube.com/watch?v=orou43qQs2o

P.S.1. Уже после написания обзора и перед его публикацией я все-таки подробно прочитал статью в английской википедии, посвященную этому альбому,  и оказалось, что популярные издания со мной солидарны в критике по всем пунктам. С одной стороны – приятно, что видишь все это. С другой стороны – иногда спокойнее быть в неведении.

P.S.2. Я буду очень благодарен Себу Симоняну, если он больше не будет появляться на выступлениях и записях Брайана. А Мелинда Уилсон не будет помогать мужу в продюсировании альбомов. Спасибо. Благодарный слушатель Брайана Уилсона.

14
Сегодня с утра я увидел на одном из новостных сайтов типичную подборку "20 звезд, умерших от рака". В качестве заглавной фотографии было его фото. Я не поверил. Оказалось, правда - 29 июня, да. Это было очень неожиданно. Несмотря на долгую болезнь покойного, все-таки смерть можно считать скоропостижной. Потому что до последнего времени Yes концертировали. Записывались альбомы. Выходили старые переиздания. Были запланированы концерты (совместно с Toto).
Скажу, что, пожалуй, ни от одной из смертей звезд я еще не испытывал такой грусти. Возможно из-за того, что я надеялся когда-нибудь увидеть Yes вживую, желательно в России. Пусть их последний альбом был неудачей, пусть многие называют настоящий состав - кавер-группой, но со Сквайром, как ни с каким другим участником, это были все-таки те самые Yes.
Сквайр при этом был не только басистом, но и полноценным лидером, единственным бессменным участником, автором многих композиций, бэк-вокалистом, продюсером альбомов неизданного материала. Да и если брать только бас - это добрых 50% звука Yes.
Очень жаль. R.I.P.

Во вложении - редкая запись его сольного творчества. Также обратите внимание на присутствующих музыкантов разных составов Yes: Патрика Мораца (клавишные) и Билла Брафорда (ударные).
http://www.youtube.com/watch?v=9E0FCrimVlI

15
       Учитывая политическую обстановку на момент написания обзора, может показаться, что обозревать альбом с названием Boston как-то глупо… На самом деле, ничего подобного. Музыка не знает рас, национальностей, планетного происхождения и политической ориентации. Если у вас есть слух, вы найдете общий язык и с марсианами, откуда, по-моему, и прилетел космический корабль в виде гитары с обложки.

   Boston – одна из первых групп стиля AOR, в отношении нее также применялся термин «корпоративный рок» (намек на коммерцию). Но уважаемый читатель… у меня давно сложилось мнение, что с AOR следует начинать изучать рок! Вообще, по аналогии с большой четверкой трэш-металла (Metallica, Megadeth, Slayer, Antrax) можно выделить большую шестерку AOR: Journey, Foreigner, Survivor, Boston, Toto, Styx (каждая имеет внутри стиля свой собственный, отличительный подстиль). Хотя Journey по времени появились раньше других, то, что они играли до Стива Перри весьма сложно назвать AOR. Все-таки первый альбом данного направления – это Boston (1976).

   Вы только вдумайтесь! Альбом разошелся тиражом 17 миллионов экземпляров! Вы скажете: «ну и что! В США у музыкального рынка другие масштабы. Там миллионами продают пластинки артистки, которых мы вообще не слышали!». Так-то оно так. Но 17 миллионов для дебютного альбома – это даже для американского рынка невиданный прецедент, который побили только Guns’n’Roses, вроде как.

        Стилистически – это классический рок во всей его красе. Утяжеленные рок-н-роллы, мощные баллады, интро в стиле «прогрессив-рок». Все это здесь есть. Состав несколько необычный (по сравнению с британским роком), но довольно типичный для американских групп: вокалист-ритм гитарист Брэд Дэлп (R.I.P.) (большую часть выступлений гитара, правда, болталась у него на ремне), два соло-гитариста (Том Шольц, играющий также на органе, и Барри Гудроу, выполнявший функцию второго вокалиста на концертах), басист-заводила Фрэд Шеннон, в стиле джако пасториуса двигающийся по сцене и трясущий головой и ногой,  и барабанщик с афро-шевелюрой Сайб Хачян (тогда о System of a Dawn и не слышал никто!), кричащий фальцетом.

         Песни из альбома, заслуживающие внимания: в принципе можно слушать подряд весь альбом, но явно выделяются: суперхит More than a feeling (на тытрубе есть видео на эту песню), Something about you, Rock and roll band, Peace of mind.

         По текстам: особой литературной ценности в них, к сожалению, нет. В отличие от быдло-рока здесь нет текстов ярковыраженной сексуальной или алкогольной направленности, но и особых глубин здесь тоже не ждите: песни делятся в основном на две категории – либо несчастная любовь, либо «ох, какие у меня друзья, как мы затусим, давайте радоваться».

         По звуку: прослушав альбом впервые, я подумал, что продюсировал его Рой Томас Бейкер (справка для пытливого читателя – он продюсировал все классические альбомы Queen). Очень много овердабов: то есть каждая гитарная партия (а соло-гитар, как вы помните, и так две) продублирована, очень мощные бэк-вокалы, опять же напоминающие Queen. Барабаны, несмотря на весьма слабую технику барабанщика и довольно простые ритмические рисунки, звучат очень мощно. Основу ритма также составляют густой, пульсирующий пальцевый бас и акустическая гитара с задранными верхами. Сведено все очень тщательно (обычно такая чистота записи и сведения являлась нормой для эпохи 80-х с ее цифровой записью). Также уделено внимание таким, вроде бы незначительным, но очень «качающим» вещам, как, например, хлопки в припевах, тамбурин в качестве дополнительного ритмического инструмента и так далее.

Спойлер: все гитарные и бас-гитарные партии на альбоме исполняет Том Шольц, все вокальные и бэк-вокальные партии Брэд Дэлп.
В принципе, в англоязычной википедии есть очень подробная статья про создание альбома, так что просто пересказывать не вижу смысла. Свое мнение я высказал. Альбом мне понравился. Приятного прослушивания!

16
   Скажу сразу, что это, пожалуй, один из самых спорных альбомов Yes. Альбомы до The Yes Album все слушают со снисхождением – группа училась. Альбомы после Drama обычно не слушают (ха-ха), так как это не совсем Yes.
Среди коллекции классических альбомов 70-х Топографические океаны являются, действительно, самым неоднозначным альбомом, который, однако, должен был стать и, по-моему, стал вершиной творчества этой группы.
   Также скажу, что подробно останавливаться на описаниях предыстории, производства альбома и концертного тура в его поддержку я не буду – информации достаточно на фанатских сайтах. Меня интересует только музыка.
С этим альбомом я знаком более года. Перед тем, как я его послушал первый раз, мнение об альбоме складывалось только из тех обрывков информации, которые я когда-то читал. А среднестатистическое мнение слушателей было примерно таким: «пафосный, затянутый альбом, эталон выпендрежа и занудности, предвещавший, что року из-за его надутости скоро того… кранты».
На самом деле альбом прекрасен. Совершенно. Да, он более расфокусирован, нежели образцовый Close to the edge или почти такой же прекрасный Relayer. В нем нет очевидных хитов. Все композиции длятся в среднем по двадцать минут. Среднестатистический слушатель устает это слушать. Однако, в отличие от обозначенных альбомов-соседей данный диск не имеет цели «раскачать» зрителя, возбудить его, побольше удивить. С имперским спокойствием этот гигант медленно шагает и не спеша рассказывает свою историю.
У меня было четыре стадии изучения этого альбома. Первая: когда я засыпал на девятой минуте и ничего не понимал. Музыка казалось нарезкой несвязанных пленок. Вторая: когда я выучил все части всех песен и обожествлял этот альбом. Каждая смена тональности казалась мне посланием свыше или хотя бы просто гениальной задумкой. Третья: когда я понял, что меня все же немножко надувают. Потому что, как ни крути, в альбоме есть чересчур затянутые моменты (ну так надо же на две пластинки время растянуть!), ненужные повторы одних и тех же ходов в разных частях пьесы по 4-8 раз, что не получается объяснить замыслом композиции. Четвертая: осознание того, что да, альбом делали люди (не божества), но люди очень талантливые, с душой подошедшие к выполнению своей работы.
Композиций всего четыре. Первая – The Revealing Science of God. Единственная композиция, изначально признанная Уэйкманом. О чем? О Боге. Начинается и заканчивается как духовное пение. В середине… Что тут расскажешь – это нужно слушать. Тонны пафосных клавиш (муг тут как тут), перегруженного рикенбакера, вокальных гармоний в стиле Кросби, Стиллз энд Нэш, создающих создают костяк композиции.
Вторая, наименее любая фанатами и наиболее любимая мною, композиция – Remembering. Музыканты виртуозно изображают всплывающие в памяти воспоминания – одна картина сменяет другую. Основной стиль композиции – акустический рок. Очень удачная находка – два раза спеть «Our… entrance we surely carry on» в начале и в конце композиции, но с разной динамикой (вопрос – ответ). Особенно в конце эта часть звучит впечатляюще: модуляции (смены тональностей) сорвут вам крышу.
Третья композиция – Ancient. Вы слушали альбомы Сантаны и Маклафлина 70-х? Готовьтесь. Электрический фьюжн, сбивки, странные вокальные гармонии. Ну точно, античность. А может быть, и первобытность. Так и представляешь себе племя аборигенов вокруг костра и Квашу в парике, изображающего жреца. Отдельного внимания заслуживают последние 7 минут – это по сути отдельная акустическая композиция «Leaves of green», которая отлично снимает напряжение после десяти минут долбежки. Along without you… Along without you…
Стоит сказать, что вторая и третья композиции на концертах регулярно не исполнялись (за исключением тура в поддержку альбома). Leaves of green исполняется отдельно до сих пор.
 И наконец, наиболее часто исполняемая композиция из всего альбома – Ritual. Великолепное вступление (кажется, мы опять вернулись в античность). Когда вступает вся группа – ощущение, как будто садится солнце, которое, однако, еще ярко светит красным пламенем  сквозь облака. Затем идут потрясающие по красоте части (гитарное вступление Хау, Nous Sommes du Soleil, Open doors, we find our way, we look, we see, we smile). На 11 минуте на мажорных аккордах композиция начинает разгоняться, все дальше и дальше (At all, at all…). Композиция переходит в соло на бас-гитаре, а затем в барабанное соло (с криками в концертной версии). Видно здесь должен снова быть Кваша. Честно признаться, этот момент чересчур затянут. Однако затем буря стихает, ритуал закончен и мы снова слушаем строчки про солнце, представляем закат. Музыка стихает, диск останавливается.
По поводу звука. Если вы знакомы с фирменным звуком Yes (довольно острый, несколько перегруженный звук, резкие перепады по динамике, иногда встречающаяся фальш в гитарных партиях и вокале), то, вероятно, звук покажется вам идеальным. Записано и сведено все очень тщательно. Запись «дышит». Инструменты довольно сильно разведены по панораме. Поэтому часто совсем с краю справа выскакивают клавишные вставки или слева – гитарка. Впрочем, мне это нравится. Барабаны.. Многие жалуется, что их откровенно не хватает на этом альбоме. Думаю, тут дело не в новоиспеченном барабанщике Уайте, а в том, что сама по себе музыка такая – отсутствие «качевых» композиций наподобие Siberian Khatru. Приджазованные вставки имеются – слушаем Remembering и Ancient. Так что мне хватает.
Лирика: честно говоря, подробно не анализировал. Но, судя по тому, что в гугле имеются варианты поиска “yes ritual meaning”, даже носители языка не могут понять, что имел-таки в виду Джон Андерсон. Поэтому я решил не пытаться.
Вердикт: альбом хорош, прекрасен. Лучший альбом, лучшие рок-композиции, лучшее исполнение, лучший актер второго плана.
Рекомендуется слушать в формате SACD.

17
СТАТЬИ / Майрон Уолден в БГФ
« : 15 Ноября 2013, 00:12:15 »
Афиша: http://www.bashgf.ru/afisha/4510/
Его запись с тытрубы: http://www.youtube.com/watch?v=Bc5JDlxN4r4

Только что пришел с концерта тенор-саксофониста Майрона Уолдена и трио Олега Бутмана.
Халявных консерваторских билетов мне не досталось и я пошел за свои кровные 700 руб. Стоило ли это того? Гм, стоило...
Читал про этого фирмача, мол, записал 10 альбомов, играл со всеми-всеми, самый перспективный после Олега Остапчука и т.д. Однако непонятные явления стали видны сразу невооруженным глазом. В холле стояла женщина и продавала компакт-диски, вокруг нее стояла кучка сочувствующих. "Дай-ка и я что-нибудь прикуплю!" - подумал я и, расталкивая всех локтями, собрался взять диск уроженца Майами. Не тут-то было! Продавали диски Олега Бутмана. Ну ладно.
Затем оказалось, что концерт будет вести не негр, а сам Бутман. То есть за весь концерт Уолден не сказал публике ни слова!  :horor:Ни от себя, ни через переводчика Весь концерт вел Бутман.
Далее, была замена: вместо родного контрабасиста играл наш уфимский Сергей Оськин. К нему никаких вопросов. Но вот, что это породило: Через каждые две вещи играли композицию Бутманов (Буш-отец, Буш-сын, Буш-мать....). Пианистка оказалось его женой. А поскольку Оськин этих вещей не знал, то Бутманы их играли вдвоем: рояль+барабаны.  :xdrummerx:
Далее: Уолден не сыграл ни одной своей авторской вещи! Весь остальной репертуар состоял из стандартов, да еще таких, как St.Thomas, Caravan... Ладно, хоть до Хамелеона не добрались. Ладно хоть Уолден все это разбавлял развеселыми африканскими выкриками и подбадриваниями.
Теперь по исполнению: Олег Бутман действительно мастер. На барабанах он играет разнообразно, динамично, даже порой выводя мелодию.
Наталья Смирнова-Бутман играет хорошо, технично, на ее игре здесь многое держится. Но зачем она пела? Ну не очень. да еще I feel gooood... да еще с акцентом, путая слова.
Теперь Уолден. Больше всех я остался недоволен его игрой. Возможно потому, что ожидал большего. Понятно, что это не Джеймс Картер, но все же... Было такое ощущение, что то ли мундштук ему великоват, то ли трость тяжела. Что больше всего раздражало, у него изо рта мимо мундштука со свистом вырывался воздух, так что неприятные звуки было слышно в середине зала. Звук был исключительно прямой, без всяких эффектов. Ноты во второй половине третьей октаве порой сдавались не с первой атаки. Может, потому, что он раньше был альтистом, ему было тяжеловато на теноре. не знаю. На ссылке, мною данной, он играл намного лучше. Однако, бисовую вещь (Ипанема) он сыграл мягко, почти субтоном, и мое сердце наконец растаяло.
В общем, главная претензия - это несоответствие рекламы реальному положению дел. Я шел на авторский концерт негра из Майами, а не на авторский концерт Бутманов и не на джем-сейшн избитых стандартов.
Но денег мне не жалко, я все же доволен. Музыканты старались, все же они фирмачи.

18
Имею опыт выступлений и записи в качестве музыканта.
Появилась идея передать свой опыт молодежи, став саунд-продюсером.

В чем помогу:
помогу с аранжировкой композиций.
найду ваш СОБСТВЕННЫЙ звук.
запишу ВАШЕ демо (есть свой небольшой аппарат) или обеспечу одну из уфимских студий под запись.
буду контролировать процесс записи от начала и до конца, распределю график репетиций/записи.
выступлю в качестве сессионного музыканта: профессионально исполню партии клавиш, также: саксофон/кларнет, бэк-вокал, бас-гитара.
помогу устроить вашу клубно-концертную деятельность.
помогу с фотосессией и оформлением буклетов/обложек.

Теперь, стили, с которыми хочу работать:
-Поп/эстрада;
-Все направления рока;
-Рэп/хип-хоп/R'n'B;
-Джаз/фанк;

Стили, с которыми НЕ возьмусь работать:
-Тяжелые направления металла (death-metal например);
-Электронная/клубная музыка;
-Экстремальные ответвления (grindcore, грязный грандж тоже нет).

Демки и информацию о себе чуть попозже скину.
Теперь ВНИМАНИЕ:
Поскольку мне необходимо из начинающего стать опытным и необходимо накопить базу артистов (то есть ВАС), предлагаю:
запишу по песне первым трем-пяти исполнителям бесплатно (необходимо лишь оплатить студийное время выбранной вами студии).
Заявки можете оставлять здесь, в теме.


Если у кого-то есть советы/критика/предложения, прошу высказываться.

19
1.Intro
2. С любовью из Сибири
3. играй в мою игру
4.Можешь звать это просто судьбой
5.Ловец снов
6. Змеиные глаза
7.Порно Бизнес
8.Пусть льется виски
9.Metal Thunder
10.Люби меня
11.Лед и Кровь   
   
Вообще металл я не очень-то... Но увидел я эту команду в передаче смелая музыка... И какой-то интерес к ним появился. Благо, большую часть участников группы я уже знал благодаря походам по музыкальным магазинам. Может это особый стайл, а может, недостаток нашего печального российского быта, но эти ребята работают продавцами муз. инструментов (работу, кстати, они выполняют хорошо - респект). Опа, да у них и альбомчик есть! Скачал, послушал.
   Концепт: Поглядев на обложку (которую я бы принял за альбом Тимати в магазине Ника), я подумал: "Какая связь трэш-металла и темы мафиози, вендетты и.т.д.? Наверняка это пыль в глаза..." А вот и нет! Альбом выдержан (не знаю, специально или нет) точно в рамках этой концепции. Прослушав альбом, осталось ощущение, что побывал на задворках ночных клубов, борделей и в американских наркопритонах, крышуемых эммигрантами-итальянцами. Если это ваша тема, то вперед - можно смело слушать! С этой задачей ребята справились!
   Запись: Записано качественно. Звук ровный, плотный. Ошибок в дублях или заметных мест склейки не нашел. Из минусов: хотя вокал также записан ровно по частотам и амплитуде, иногда бывает сложно понять, что поет вокалист (разобрать текст). Не хватает также атмосферы звукозаписывающего помещения и аналогового аппарата (мне лично). Но это проблема всей современной цифровой эры. Чем чище - тем меньше живости. Будто чувствуешь, что это все по партиям писалось в комп, а хотелось бы, чтобы создавалось ощущение, что ребята это играют сейчас, здесь, для меня - слушателя. Может у вас возник вопрос, чего я докапываюсь, чего я хочу? Послушайте Machine Head. Неточно сведенный дабл-трек с риффом, жуткую фонящую звукозаписывающую аппаратуру из автобуса большеротового парня из роллинг стоунз... Но зато какая атмосфера! Аналоговая теплота всего этого. Вот чего мне лично хочется.
   Песни: Скажу сразу, все песни до конца не прослушал, терпения не хватило. Посему отмечу лишь избранные композиции.
   Intro. один и тот же довольно примитивный рифф с незначительными изменениями всю дорогу. Разработку темы хотелось бы услышать. Вариации на нее можно было бы сделать, например.
   Змеиные глаза, Играй в мою игру. Вы спрашивали про мафию? Вот ключевые носители идейности в альбоме. Бешеная энергия! Неплохие прыжки на верха в вокале. Претензии к лирике есть: "Сделай шаг и я убью твою семью" - перебор, конечно. Можно было метафорично передать это как-то. "Мои руки в ожогах, в них загорались чужие сердца" - неплохо, но немного избито, по-моему.
   Порно бизнес. Почему-то я сразу понял, что будет Крон. И точно. Даже вокал напомнил Кабана. Но поскольку последние канули в лету, есть реальный шанс их заменить. Недостатки: можно было бы поподробней описать про суть, а то что ж мы все ждали?!
   Ко второй половине альбома мне, если честно, надоело. Композиции все написаны в одинаковом ключе, если не сказать тональности. Нет мелодии, нет запоминающегося ритма, грува. Завидная статичность.
   Пусть льется виски (на которую снят клип) и С любовью из Сибири. Не смог разобрать слов. Последняя абсолютно не отражает своего названия и не подпитывает мою национальную гордость.
   Вроде как трэш стиль написан. Трэш, как мне кажется, предполагает сложные ритмы и частые их перемены. Но ничего особенно сложного с этой стороны не услышал я. Многочастных композиций наподобие металлики я ни в одной вещи не увидел тоже, как ни вслушивался. В альбоме нет ни одной баллады. Если бы мне было лет 15, я бы мог прыгать под этот альбом и не уставать. Но поскольку я взрослый дядя, мне необходимо немного передохнуть и перекурить (подумать) после боя. Для этого и нужны медленные места.
   Из ряда альбома выбивается песня "Металлический гром" (Metal Thunder). Во-первых, потому что она единственная на английском, во-вторых, потому что это по сути утяжеленный глэм-рок (рифф другой гармонической структуры, эффект грома). Послушайте рифф! О, сразу цепляет. Английское произношение конечно, не на пятерочку, но вполне, вполне достойно! Очень напомнило Джина Симмонса и альбома Кисс первой половины 80-х. Также это, по-видимости, единственная композиция, где есть гитарное соло. Ребята, у вас такой техничный гитарист Мартыненко, дайте ему играть соляки!!

Вердикт: для дебютного альбома и трэш-металла - неплохо. Для того, что это было интересней и нравилось более широким массам - нужно еще поработать. Самое главное - разнообразить репертуар. Чтобы не скучно было. Желаю удачи и творческого успеха!

20
Хочу предложить ребятам свои услуги по записи и выступлениям. Опыт есть. Также пишу аранжировки. Стиль сыграю любой. Сам играю джаз.
Оплата по договоренности. Но недорого.


21
Хорошая новость для Ska-шников и джазменов!
Продается за 3500 руб.
Студенческая модель. Фирма Maxtone была изначально Тайваньской, но затем перенесла производство в КНР.
Комплект: труба, жесткий кейс, мундштук, тряпочка для протирки. масло.
Кроны смазаны.

Страницы: [1]